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noviembre 10, 2009

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PILAR BERMÚDEZ PLATA

 

EXPOSICIÓN PINTURA MODERNA

 

Los pintores de la época dieron la bienvenida al Modernismo, de la misma manera que arquitectos y escultores, Como un movimiento que liberaba el tratamiento de las formas en contraposición a la anterior rigidez academicista. 
El Modernismo significa libertad, la posibilidad de desarrollar cualquier forma, color o idea y la pintura no fue una excepción

El Modernismo pictórico catalán presenta una gran variedad y riqueza de temas, esta es la razón por la que algunos especialistas prefieren hablar de “Pintura del periodo modernista” en vez de “Pintura Modernista”. A pesar de todo, algunos pintores Como Rusiñol, Ramon Casas, Meifrèn, Mir, Utrillo, LLuïsa Vidal y otros son considerados en ocasiones como los estrictos representantes del Modernismo. Otros como los hermanos Masriera representan, bajo este punto de vista, una tendencia más tradicional -más cercana al academicismo, pero entendido como un refinamiento del realismo no basado en normas clásicas- dentro del Modernismo.

Las diferencias de estilo no se hallan únicamente entre los distintos artistas, sino también dentro de la obra de cada uno de ellos. Esto se evidencia en la obra de Ramon Casas, este excepcional pintor caracterizado por sus amables escenas burguesas como “Plein air”, “Baile de tarde”, decoración del Cercle del Liceu en Barcelona, retratos de la alta sociedad catalana y otros de contenido similar, es también el autor de pinturas presentando temas con motivos sociales como “La carga”, “Garrote vil”. etc.
Este es también el caso de Isidre Nonell, ya que siendo imágenes de la dura vida y apariencia de seres marginales el motivo central de su pintura, presenta también especialmente en el periodo de alrededor de 1907, una serie de obras que retratan la alta sociedad catalana, con características por descontado mucho más amables que en la pintura que forma la base de su obra. 

Santiago Rusiñol, conjuntamente con Ramón Casas es el pintor más característico de este periodo. Su activa promoción del Modernismo, la celebración de las “Festes Modernistes”, sus actividades alrededor del Cau Ferrat y su obra literaria le permitieron adquirir un gran prestigio dentro del movimiento. La variedad de temas que pintaba: retratos (Eric Satie), paisaje (“El puerto de Barcelona” y jardines), temas de la vida (La “Cocina del Moulin de la Galette”), nos pueden dar una idea de sus viajes y las diferentes fuentes de inspiración que acompañaron su vida bohemia.

Retratos y paisajes son los motivos más frecuentes de la pintura Modernista.  Esto es muy evidente en la obra de los hermanos Masriera, Eliseu Meifrén, Utrillo, Lluïsa Vidal, Joaquim Mir y otros. De hecho este es uno de los pocos elementos comunes en un estilo -el Modernismo- que agrupa una gran cantidad de artistas normalmente autodefinidos como Modernistas, pero que manifiestan una gran libertad creativa y no están demasiado preocupados por su fidelidad a las normas muy laxas del movimiento, lo que no es difícil si pensamos que en este, la norma es precisamente la ausencia de normas.

 

LA NOCHE ESTRELLADA (VAN GOGH)

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La pintura “Noche Estrellada” es una de las más famosas obras de astronomía creada en la pintura, fue realizada por Vincent van Gogh en el sur de Francia en 1889. Esta obra es de carácter figurativo pero no realista de presentación postimpresionista.

Este cuadro muestra una vista exterior durante la noche desde la ventana del manicomio” Saint Remy de Provence” donde se recluyo tras uno de sus frecuentes ataques.
Van Gogh amaba la noche y esta fue una gran oportunidad para poner a prueba una nueva técnica. Luz nocturna que a el le fascinaba y que encontraba que daba mucho mas tonos y una mayor intensidad a lo colores.
La noche era idónea pero representaba su estado de desesperación y desconsuelo en el que se hallaba causado por los ataques de locura.

En esta obra se aprecia que todo lo que hay esta en un constante movimiento se ven reflejadas las nubes y al mirar y pensar todo gira en torno a ellas, esta da a conocer el paso desesperado y rápido de la vida y que se introdujo en su propio agujero negro y que nadie le puede hacer cambiar su percepción de la vida. También pienso si se llegara a revivir las imágenes del pasado, de sentir el mar chocar con las nubes de poder palpar el viento seria algo extraño pero que en realidad cada persona se lo imagina y que alguna ves en la vida ocurrirá.

 Por otro lado, la llamativa espiral que ocupa gran parte de la obra es un elemento claramente fantástico, que bien puede ser una interpretación del artista de las corrientes invisibles que se producen en el firmamento, y que los avances en la astronomía comenzaban a publicar.

Kodera (1990) hace notar el contraste entre la torre de la iglesia y los espectaculares efectos del cielo como una crítica hacia la institución religiosa, que queda empequeñecida cuando se compara con la naturaleza. Más evidente resulta el contraste entre dicha torre y el enorme ciprés –que para van Gogh era símbolo de muerte- del primer plano.

ADAN Y EVA (DURERO)

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 Son los primeros desnudos en la época del renacimiento europeo.
El artista con esta obra demuestra su gran habilidad como dibujante, ya que se ve como el pintor profundizó en el tema de la anatomía humana. En esta pintura se ve representada la perfección de la belleza ideal por Durero y su búsqueda por el color absoluto.

Me interese por esta obra ya que tiene directa relación con la ciencia y el arte.
Ya que ha sido una pregunta muy cuestionada el “como se creo la especie humana”.
También me gusta como el autor de esta obra mostró sus dotes de dibujante de el cuerpo humano, en como pinto cada detalle de Adán y Eva.

LA GUERNICA (PICASSO) 

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Esta obra es sin duda, una de las más tristes que se han pintado ya que representa un acercamiento a lo que significa una guerra, en este caso, un bombardeo. La monocromía del cuadro aumenta el drama. Analizando el cuadro de izquierda a derecha vemos que los personajes son los siguientes:

-Aparece en la izquierda del cuadro un toro con el cuerpo oscuro y la cabeza blanca. Este voltea y parece mostrarse aturdido ante lo que ocurre a su alrededor.

-Bajo el toro se ve a una mujer, cuyo dolor está representado en sus ojos que tienen forma de lágrimas, al sostener en sus brazos a su hijo ya muerto, por eso el niño no tiene pupilas en sus ojos. Esta mujer recuerda a una “piedad”. Mira al cielo con el rostro desgarrado y gritando de dolor.

-En el suelo aparece un hombre descuartizado, que se convierte en el símbolo visual de la matanza. Su brazo izquierdo termina en una mano fuerte con surcos en la palma, entre los cuales se puede observar una estrella de cinco puntas. La mano abierta parece intentar alcanzar algo o simplemente evitar que se le vaya la vida. El otro brazo sostiene una espada rota y una flor, que puede interpretarse como un rayo de esperanza dentro de ese panorama descorazonador. Finalmente entre los brazos se sitúa la cabeza del guerrero, con los ojos abiertos y con los extremos en punta (a diferencia de las mujeres, cuyos ojos tienen forma de lágrima, lo que expresa el extremo sufrimiento femenino, excepto la que entra desde la derecha y la yegua, cuyos ojos son un círculo con un punto en el centro, lo que expresa una dolorosa sorpresa).

En el centro del cuadro la yegua es el símbolo del dolor máximo, ésta voltea y gira hacia el autor desorientada y herida de gravedad.

Desde la parte derecha entra una mujer con las nalgas al descubierto; sobre este hecho existe una anécdota que dice que con el cuadro sin terminar Pablo Picasso dijo que a la mujer le faltaba algo y fue a por un rollo de papel que le pegó en la mano, queriendo decir que el bombardeo sorprendió a la mujer en el baño. Otra versión es que la mujer está herida y se acerca a la yegua para descansar de sus heridas.

Por la ventana entra una mujer de un modo surrealista. Ilumina la estancia con una vela y avanza con la mirada perdida, como en un estado de shock. Esta mujer se interpreta como una alegoría fantasmagórica de la República.

Totalmente a la derecha aparece una mujer que cae envuelta en llamas de un edificio que arde.

Finalmente si observamos hacia donde se dirigen las miradas de los personajes vemos que los que están ubicados desde la yegua hacia la derecha miran hacia el lado izquierdo, incluida la yegua. Y los que se representan en la parte izquierda desde la yegua dirigen sus miradas hacia el cielo; si seguimos las trayectorias de las miradas estas nos llevan a un pájaro de color negro, que se puede interpretar como los aviones que bombardearon Guernika, todas las miradas buscan a ese pájaro para encontrar una explicación al horror que ha causado.

Si bien el cuadro no relata lo ocurrido en el Bombardeo de Guernica, sí retrata la alegoría de lo ocurrido y también lo que aún venía de la Segunda Guerra Mundial. Es un cuadro pintado en un tiempo de guerra.

 

LOS RELOJES BLANDOS (SALVADOR DALI)

 

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Obra clásica del autor Salvador Dali. Pareciera que manipulando el medio de control del tiempo lo estuviera doblegando, como si uno pudiera escapar al paso del tiempo sólo por desfigurar sus instrumentos de medición. Se observa también un rostro híbrido que semeja parte pájaro parte ser humano, el cual encima tiene uno de estos relojes doblegados, como si no pudiera librarse de este medio de control. A la izquierda se observa un reloj cerrado y encima de éste partículas que podrían representar restos de Podredumbre.

LA MUJER FRENTE AL ESPEJO (Picasso)

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P.S El cuadro es “Mujer frente al espejo”.o “Niña frente al espejo” Está en el MoMa, claro. Picasso lo pintó en marzo de 1932. Me gusta por muchos motivos. Y veo lo mismo en ese cuadro que ven los expertos.  Aunque intuyo también que quizá Picasso pretendía provocar algo totalmente diferente… O no…

La mujer serena que es el sol y es la luna, joven, tranquila, puede que ingenua, que se mira en el espejo, tiene media cara maquillada como cuando las niñas juegan a ser “como mamá”.

La tranquilidad y la vitalidad de Marie Therese Walter en plena transición desde la niña inocente hacia la mujer potente. Y el reflejo en el espejo: la otra, la vieja, la futura, lo que le destina el futuro, o la suerte…

 

 

 

EL ROMANTICISMO MUSICAL

 

Epoca

1815-1890

Este movimiento artístico no se puede determinar exactamente en fechas, pero dentro de un orden más o menos lógico, se puede decir que es una consecuencia de la política social y económica de la época posterior a la Revolución Francesa (1789). Las primeras manifestaciones artísticas de este movimiento aparecen en la literatura y poesía, que posteriormente darán ayuda al inicio del Ro-manticismo musical.

La palabra Romanticismo deriva de unos artículos publicados por el poeta y filosofo alemán Ludwing Tieck, quien cubrió dichos artículos con la pa-labra ROMANICAS, porque se refería a la cultura de los pueblos europeos que quedó dominada por la cultura romana. En si el movimiento romántico surge en la Universidades alemanas, princi-palmente en las de Gottengah y Jena, y entre los principales iniciadores figuran, entre otros, el poeta y filósofo Frederick Schleiermarcher.

La época de la música del Romanticismo se puede dividir en tres etapas: pre-Romanticismo(representado por Ludwig Von Beethoven), Romanticismo pleno(Mendelssoohn, Schubert, Schumann, Liszt, Chopin…)  y Romanticismo Tardío(De Falla, Grieg, Dvorack…).

romanticismo

 

Características Generales

-Explosión del yo;

-Todo se deriva de la imaginación;

-Exaltación de las pasiones y sentimientos;

-Sacrificio de si mismo por lo ideales;

-Existe intima comunicación con la naturaleza, y deseos de expresar heroísmo y determinar el amor tal cual es.

 

Vicios

El licor, el vino y los estupefacientes no fueron considerados como vicios, sino como un remedio o alivio para buscar sensaciones estéticas. Por la carencia de higiene, en esta época son comunes la tuberculosis y la neurosis.

 

Elementos Artísticos

-Al contrario del formalismo clásico, busca independencia en la expresión;

-Posee una fuente de lirismo;

-El  paisaje local es uno de sus elementos para ser expresión;

-Rechazo total al recurso metodológico;

-Preponderancia al subjetivismo, y

-Preferencia por lo nacional que por lo extranjero.

Características Musicales

-Música más humana y cercana al pueblo;

-Los cuatro medios favoritos: piano, orquesta, opera y lied o canción;

-La situación del compositor cambia respecto a la consideración social: el músico es ídolo de los salones;

-Nace la música ligera de “salón” para la diversión (valses, mazurcas, etc.);

-Virtuosismo del intérprete como ídolo: piano (Liszt, Chopin), violín (Paga-nini);

-Preponderancia musical de Alemania y Austria, excepto la opera italiana;

-Decae la música religiosa y de cámara;

-Especial unión de músicos y poetas (Chopin y George Sand);

-Organización de la educación musical en escuelas y conservatorios (Mendel-ssohn fundo el conservatorio de Leipzig);

-La melodía es apasionada e intensa, sobre bases populares, generalmente con acompañamiento;

-El ritmo es libre y complejo: hay nuevas tonalidades y cromatismo con fínes expresivos;

-A grandes rasgos siguen las formas clásicas, aunque con menos rigidez;

-Predilección por las pequeñas formas pianísticas libres, generalmente de un solo movimiento (preludio, fantasía, balada, momento…);

-Nacen formas sinfónicas: el poema sinfónico y la obertura de concierto;

-Popularidad de la opera(Wagner, Verdi…), que desemboca en el drama Wagne-riano;

-Nace el ballet moderno;

-Hay mejores técnicas de instrumentos;

-La orquesta aumenta en el número de instrumentos integrantes;

-El instrumento favorito entre la burguesía es el piano, ya que hay perfec-ción de técnica.

 

Compositores

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PRE-ROMANTICISMO.  Ludwig Von Beethoven(pianista y compositor alemán). 

 ROMANTICISMO PLENO.  Carl María Von Weber(compositor alemán), Felix Mendelsssohn

(compositor y pianista alemán), Robert Schumann(compositor y pianista alemán),

Johannes Brahms(compositor alemán), Richard Wagner(compositor y operista ale-

mán), Niccolo Paganini(violinista italiano), Franz Schubert(cantante, pianista y

compositor austriaco), Federico Chopin(compositot y pianista polaco),  Franz

Liszt(compositor y pianista húngaro), Giuseppe Verdi(operista italiano) y Johan

Strauss(compositor alemán).

 ROMANTICISMO TARDIO.  Isaac Albeniz(guitarrista español), Joaquín Rossini(operis-

ta italiano), Giaccomo Puccini(operista italiano), Cesar Franck(compositor fran-

cés), Edvar Grieg(compositor noruego), Pedro Luis Tchaikovsky(compositor y pia-

nista ruso), Modesto Moussorgsky(compositor ruso) Nicolai Rimsky-Korsakov(compo-

sitor ruso) y Gustav Mahler(compositor francés).

POETAS QUE EJERCIERON REVOLUCION EN LA POESIA FRANCESA

 

HISTORIA

 Francia asistió al nacimiento de la modernidad. Ella permitió el desarrollo de las ideas que hicieron posible un cambio en el pensamiento político y en la concepción del arte. No sólo con Francia basta, pero sí que nos ayuda a entender estos complejos cambios que se dieron en las sociedades más avanzadas de la época. En materia de ideas, desde el siglo XVII, y muy especialmente en Francia, la modernidad idolatraba a la razón. No en vano se convirtió en el símbolo, y se la personificó como la diosa en la época más confusa de la revolución francesa de 1789. Era la razón la que traía la autonomía del hombre.
Pero claro, la modernidad no sólo ha tenido vestimentas políticas. En materia artística el nacimiento de lo moderno aparece en el siglo XIX, y el poeta francés Charles Baudelaire es reconocido como como su padre. Utiliza el término en 1859, ya que necesitaba expresar lo que caracterizaba en aquella época al artista moderno. Baudelaire diría en 1863 que “la modernidad es lo transitorio, lo fugitivo, lo contingente, que es la mitad del arte, cuya otra mitad es lo inmutable”. Continúa escribiendo que “el escritor debe reproducir la circunstancia en todo aquello que sugiera lo eterno, pues su ocupación reclama la capacidad de destilar lo eterno de lo transitorio”. De esta forma, el escritor debía tener una capacidad especial como espectador capaz de traducir la vida banal y cotidiana para trasladarla al ámbito de lo válido supratemporalmente mediante parábolas, metáforas y otras formas de expresión.
La poética de la modernidad era la del fragmento, donde se imponía el descuartizamiento de lo real para erigir, otra realidad con los pedazos encontrados. Charles Baudelaire reaccionó contra el romanticismo imperante en su época. Él no admitía la inspiración, ni la imaginación, ni la improvisación. La poesía era para él un ejercicio, un esfuerzo con trabajo sistemático, equivalente al de un paciente artesano volcado permanentemente en pulir sus versos. Hasta entonces la poesía se había centrado en lo bello, y el poeta francés pretendía demostrar que también lo feo tenía relación con lo estético. No fue causalidad que Baudelaire tradujera al poeta norteamericano Poe. Con Poe la literatura comenzó a poblarse de antihéroes, de personas que deambulaban por las calles con sus sueños rotos. Baudelaire toma de Poe el culto a la noche, el gusto por lo decadente, por la estética de lo enfermizo y lúgubre. Ambos poetas compartieron su idea del fatalismo y del sentido de irreversibilidad del destino, que son rasgos que definen también a la modernidad.
Tras Baudelaire aparece una figura trascendental para la nueva poesía moderna francesa, Verlaine. Él publicó en 1884 “Les poètes maudits” (los poetas malditos). En esa publicación hacía referencia a los rasgos de las obras de los poetas franceses Corbiére, Rimbaud y Mallarmé. Nunca supuso la trascendencia posterior que tuvo esta denominación de poetas malditos en la historia de la literatura. Con esta denominación se intentaba agrupar a todos los poetas franceses que de una forma decidida había contribuido al desarrollo de la modernidad, que se caracterizaban no sólo por lo novedoso de sus ideas y poética, sino por su forma de estar en la vida, a contracorriente de todas las corrientes establecidas y academicistas del momento.

 Hay cuatro poetas que ejercieron una revolución en la poesía francesa, ellos son: Baudelaire, Rimbaud, Verlaine y Mallarmé.

Poetas que se segregaron de la sociedad, huyeron de los honores, de los puestos oficiales y adquirieron aspectos de marginados sociales, conocieron la miseria, las enfermedades y el abandono.
Reaccionaron contra los poetas románticos, estos eran la voz de la sociedad, sentían y pensaban en nombre de la comunidad.

A partir de Baudelaire no se tratará del poeta sufriendo por todos, sino que será el propio sufrimiento encarnado en la poesía. Con ellos comienzan a surgir un puñado de poetas que comenzaban a reunirse en los cafés junto a artistas de la bohemia.
Estos genios generaron elaboradas reflexiones sobre el fenómeno poético, influenciados enormemente por Edgar Allan Poe.
El dogmatismo del siglo XVIII y que se prolonga hasta el siglo XIX, se ve sustituido por una juventud escéptica, agnóstica, que ha perdido la fe en los programas y serán reveladores de los males del siglo.

 

Baudelaire (1821-1867)

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Se encargó de tomar los principios estéticos de Gautier, para lograr una mayor profundidad. Sus temas fueron el arte, la mujer, la ciudad, la bohemia, la muerte y el hastío, entre otros; temas que molestaban y le valió la censura y el procesamiento por parte de la legislación burguesa.
Sus escritos técnicos se interesaban por la belleza más que por el arte. Belleza como efecto del arte, herencia que toma de Poe, en donde la poesía debería ser el acceso a la belleza.
Si para los románticos la belleza era tomada de la naturaleza y de los mitos como símbolos de una armonía perdida, para Baudelaire el paisaje mítico de donde provenía la fuente de inspiración era la ciudad, sus habitantes anónimos, sus miserias humanas, sus placeres, sus sueños etc.
Al respecto Baudelaire dice: “Yo encontré la definición de lo bello, de mi belleza; es algo ardiente y triste, algo un poco vago, que aleja margen a la conjetura. Voy a aplicar mis ideas a un objeto sensible, por ejemplo el objeto más interesante de la sociedad, a un rostro de mujer…”.
Ha sabido intuir las relaciones entre el amor y el mal, quedando plasmado en “Las flores del mal”, obra que le costó ser condenado por ultraje a la moral pública y a las buenas costumbres, pero lo cierto es que este libro marcó un hito en la poesía moderna.
Sería el comienzo del fin, “Las flores del mal” comenzará a ser escrita en pleno estado depresivo, producto de la sífilis, luego vendría el opio, la miseria, la hemiplejía y la muerte en agosto de 1861. Si hay algo curioso es que el 31 de mayo de 1949 la Sala Criminal del Tribunal de Casación rehabilitó la persona de Charles Baudelaire, anulando el fallo de 1857.
“Afana nuestras almas, nuestros cuerpos socavan La mezquindad, la culpa, la estulticia, el error y, como los mendigos alimentan sus piojos,  nuestros remordimientos, complacientes nutrimos”

Verlaine(1844-1896)

verlaine

Su lengua es sencilla, ingenua y conmovedora, su poesía fue comparada con la música porque ha sabido jugar con los recursos de la misma. En donde todo está ahí intocable, perfecto, indecible.
Si bien fue influenciado por Baudelaire, progresivamente tomará características propias.
Sostenía que sus poesías vacilaban entre el sonido y el sentido, pudiendo captar que de la lengua Francesa se podía extraer musicalidad.
A diferencia de Baudelaire, se separa aún más de la tradición romántica, descubriendo que las sensaciones y los sentimientos se transmiten mejor suscitándolos que expresándolos.
Su deseo de ser libre es una ilusión tenaz y junto a tanta rebeldía, la poesía de Verlaine expresará espontaneidad.
En 1871 se produce el encuentro con Rimbaud, hecho que cambia el destino del poeta y de su poesía. Encuentro que provoca un enamoramiento ciego hacia Rimbaud, abandonando su vida matrimonial, para comenzar una tumultuosa aventura junto a Rimbaud. Las peleas y reconciliaciones serían innumerables hasta que un disparo del arma de Verlaine hiere a Rimbaud, para finalizar en la cárcel.
Esos años de prisión le sirven como desintoxicación física y moral. Siendo en este periodo místico- cristiano, en donde nacen “Romanzas sin palabra” (1874) y “Sensatez” (1881), reflejando su búsqueda de Paz.
Luego en la libertad volvería la vida bohemia, el alcoholismo, la miseria, que lo obligarían a internarse reiteradamente. Pero es en ese momento cuando logra la más genial de su obra: “Amar” (1888), “Paralelamente” (1889), “Liturgias íntimas” (1892) y “Elegías” (1893).
Finalmente en 1896 muere.

Rimbaud (1884- 1891)

rimbaud

Fue un genio; a los 20 años ya había escrito toda su obra y a los 37 años había terminado su vida. Siendo uno de los poetas más grandes de su tiempo.
Sin embargo durante mucho tiempo su poesía permanecía ignorada, él mismo se despreocupaba que sus poemas fueran difundidos. Serán los surrealistas los encargados de resucitar sus poesías y junto con ellas el mito Rimbaud, el del adolescente furioso y enloquecido, que quiere cambiar la vida.
Rimbaud pensaba que el hombre se había vuelto manso y mediocre, incapaz de entusiasmo de goce auténtico.
En 1871 Rimbaud descubre lo que considera la verdadera naturaleza poética: el poeta no debe ser un artista, sino un vidente y a partir de entonces pone todo el empeño en evadirse de lo real y en la penetración del universo inexplorado de las sensaciones. Dirá: “El poeta se vuelve vidente por un logro inmenso y razonado desequilibrio de todos los sentidos. Todas las formas de amor, de sufrimiento, de locura; él mismo busca, agota en sí todos los venenos….”. (Carta a P. Demeny).
En 1873 escribe “Iluminaciones”, pero es publicada por Verlaine en 1886 y también escribe “Temporada en el infierno” (1873). Dos años después deja de escribir y comienza una serie de viajes para Europa y África, dedicándose a la aventura y al tráfico. En 1891 será repatriado en forma urgente a raíz de una grave enfermedad; muere en Marsella en noviembre de ese año.
“Una noche, senté a la belleza en mis rodillas, y la encontré amarga. Y la injurié.
Tomé las armas contra la justicia.
Hui ! Oh brujas! Oh miseria, Oh rencor, a vosotros
fue confiado mi tesoro!…”.
Extracto una temporada en el infierno

Mallarmé (1842- 1898)

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En contraste con Rimbaud, Mallarmé era obstinada y rigurosa con una veta estudiosa, monótona y sedentaria.
La lectura de “Las Flores del Mal”, define su gusto por la poesía y lo aleja de las románticos.
Sus obras y proyectos más ambiciosos son de su primera época, escritos como: “Herodías”, “La Siesta de un fauno”, “Igitur”.
Intenta alcanzar una inaccesible perfección mediante el rechazo de lo real. Necesita desterrar la idea de que la auténtica poesía puede ser leída por todos. En su opinion hay que devolverle su dignidad y preservarla de la admiración fácil y trivial.
La intención de explicar el mundo y la pureza ideal, la realiza a través de dificultosos medios.
El poeta recibe, según Mallarmé infinidad de palabras y de imágenes que le dictan, espontáneamente, ya sea la inspiración o el mundo exterior. Hay que combinarlas entre sí y hacer surgir sus analogías que permitirán el descubrimiento de los recíprocos significados. De esta superposición de imágenes surgirán sus poesías.
El simbolismo de Mallarmé permitirá el intercambio de lenguajes entre los entes, es así que “La egloga” de Mallarmé inspira a Debussy su preludio de igual nombre, y en esta música se inspirará Nijinsky para revolucionar al ballet, en 1912.
El altísimo ejemplo poético y la tensa exigencia teórica de los poetas mencionados, tardaron algunos años en ser plenamente comprendidas y asimiladas y en fructificar en una nueva oleada de grandes poetas, varias de ellas recibieron el Premio Nobel, fueron figuras conocidas y respetadas. Finalmente la herencia fue recibida por la poesía moderna.

 

 

 

 

 

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